Konzerte, Installationen, Filme, Vorträge, Diskussionen 10.–13.11.2022
Zeitreisen und Raumfahrt, Cyborgs und Eskapismus – wie verwandeln sich Zukunftsvisionen in Musik? Ein Festival der utopischen Klänge
Abendtickets (Do & Fr ab 20h, Sa & So ab 19h):
13€ / 10€ Tickets
Talks & Installationen: Eintritt frei
Dresscode: cosmic
Science Fiction „hebt den Unglauben ans Unwirkliche auf, um den Glauben ans Wirkliche von der Seite anzuschauen. (…) Ihr Spiel heißt Erkenntnis; der Gewinn ist der Kosmos.“ So formulierte es Dietmar Dath in Niegeschichte, seiner monumentalen Auseinandersetzung mit Geschichte und Theorie des Genres. Science Fiction hat viele Erscheinungsformen: Literatur, Filme, Comics, Bildende Kunst und eben auch Musik: Von den Soundexperimenten von Joe Meek oder Louis und Bebe Barron über die „Kosmische Musik“ deutscher Elektronikerinnen, den Afro-Futurismus von Sun Ra oder George Clinton bis zu Funk-Künstlerinnen wie Earth, Wind & Fire und Janelle Monáe ist Science Fiction-beeinflusste Musik seit gut sechzig Jahren zu einem fruchtbaren und diversen Genre angewachsen. Cosmic Awakening will Science Fiction erklingen lassen, sich aber auch theoretisch und kritisch mit ihr auseinandersetzen. Es wird Konzerte, Installationen, Filme, Vorträge, Diskussionen und ein paar Überraschungen geben.
Jeden Tag um 16–23h
Der Klang von morgen
Installation von Heiko Hoffmann
Animierte TV-Logos, die Klanggestaltung früher Science-Fiction-Filme und das Blubbern in der Limonadenwerbung: Ab den späten 1950er Jahren verschaffte sich die musikalische Avantgarde in den Wohnzimmern des Mainstreams Gehör. Kommerzielle Auftragsarbeiten wie die von Delia Derbyshire, Oskar Sala, Raymond Scott oder Suzanne Ciani führten dazu, dass sich innovative Ideen und fremdartige Sounds im kollektiven Bewusstsein verankerten – und auf der Mattscheibe die Zukunft aufflackerte. Die von Journalist und Kurator Heiko Hoffmann zusammengestellte Auswahl von Videos, die unter dem Titel Der Klang von morgen: Elektronische Musik in Kurzfilmen, Werbung und Sound-Logos in drei thematischen Blöcken gezeigt wird, erzählt die Geschichte der Elektronikpionier*innen des 20. Jahrhunderts neu.
Jeden Tag um 19 Uhr
Film
Sisters With Transistors
R: Lisa Rovner, USA, 2020, 86 min, OV mit engl. Untertiteln
Sisters With Transistors erzählt die Geschichte von Pionierinnen elektronischer Musik wie Daphne Oram, Delia Derbyshire, Éliane Radigue, Suzanne Ciani oder Wendy Carlos. Lisa Rovner hat für den gefeierten Dokumentarfilm über die unbesungenen Heldinnen musikalischen Fortschritts im 20. Jahrhundert viel Archivmaterial gesichtet und Laurie Anderson als Sprecherin engagieren können, um ein nuanciertes Bild ihrer verschiedenen Protagonistinnen zu zeichnen. Sisters With Transistors ist als musikhistorische Intervention zu verstehen und forscht dem Einfluss der radikalen Ideen von Laurie Spiegel oder Pauline Oliveros nach. Doch zeichnet er genauso das Porträt einer (Musik-)Welt im Umbruch – und nicht zuletzt der grundverschiedenen Frauen, die diese Revolution maßgeblich mitgestaltet haben.
Do 10.11.2022
KONZERT; Pantha du Prince: Garden Gaia
Auditorium
20h
13€/10€
Für das Projekt Garden Gaia denkt Hendrik Weber alias Pantha du Prince Ökologie und Ästhetik, Natur und Mensch in verschiedenen Medien zusammen. Die Ende August 2022 als Album erschienene Musik übersetzt formbildende Prozesse in der Natur in schwingende Klangpoesie, die zwischen Techno und avantgardistischen Anklängen vermittelt. Mit dem Chor der Kulturen der Welt und Schlagwerker*innen sowie zum Teil selbstgebauten Tonerzeugern bringt Weber sie nun als umfassende audiovisuelle Performance auf die Bühne, die ihrerseits eine eigene Welt darstellt. Innerhalb des von Something Fantastic entworfenen Bühnenbilds kommen Videoarbeiten von Natalia Stuyk zum Einsatz. Akustische und elektronische Klänge, physische Umgebungen und digitale Bildwelten repräsentieren und kommentieren im Miteinander verschiedener Kunstformen die Lebensformen im Superorganismus Erde.
Fr 11.11.2022
KONZERT: Gelbart, Makimakkuk, Kuunatic
Auditorium, Weltwirtschaft
20h
Abendticket: 13€/10€
Gelbart möchte nicht einfach Musik auf die Bühne bringen, sondern das Tor zu anderen Welten aufstoßen. In seiner Komposition The Portal, Finally unternimmt er ein Klangexperiment mit Einflüssen aus Avantgarde-Jazz, Soundtracks früher Science-Fiction-Filme und den Werken der klassischen Moderne. The Portal, Finally fragt, ob an diesem Abend der Erstkontakt mit einem anderen Universum erfolgen kann. Dazu versammelt der Komponist und Medienkünstler ein 14-köpfiges Ensemble mit Instrumenten wie Harfe, Cembalo und Elektronik unter einem großen Dreieck. Das soll das titelgebende Portal nicht etwa repräsentieren, sondern als solches fungieren. Denn angesichts einer potenziell unendlichen Anzahl von Paralleluniversen liegt der Übergang in eines davon im Bereich des Möglichen. Zeichnet sich am Ende der Aufführung eine andere Welt ab, ist das Experiment gelungen.
Die musikalischen Einflüsse von Makimakkuk, einer Rapperin, DJ, Musikproduzentin und Künstlerin aus Ramallah, sind so vielseitig wie ihre Aktivitäten. Als MC ist sie für einen gleichermaßen abstrakten wie ernsthaften und bisweilen auch sarkastischen Tonfall bekannt, mit dem sie durch persönliche, soziale und politische Themen flowt. Seitdem sie durch eine Kollaboration mit Sun Glitters international bekannt wurde, hat sie ihren musikalischen Rahmen stetig erweitert: Hip-Hop sowie Spielarten der Bass- und Clubmusik, Pop und R’n’B sowie folkloristische Formen und deren zeitgenössische Adaptionen treten bei ihr in produktiven Austausch. Das gilt auch bei ihren Auftritten, wie zuletzt im Rahmen der multimedialen Ausstellung May amnesia never kiss us on the mouth im MoMA, New York oder beim Boiler Room und als Support-Act für Nicolás Jaar.
Der Psych-Rock von Kuunatic ist nicht einfach transkulturell, sondern interplanetarisch. Natürlich bezieht das Tokioter Trio seine Inspiration aus jamaikanischem Dub, verschiedenen Formen japanischer Musik, krautigem Rock, britischem Post-Punk oder unterschiedlichen rhythmischen und gesanglichen Traditionen – und also aus ziemlich allen Ecken dieser Erde. Es brach allerdings bereits mit seiner Debüt-EP Kuurandia auf den gleichnamigen Planeten auf und machte ihn zu seiner musikalischen Heimat. Dort blieb die Band auch für Gate of Klüna, ihr im Oktober 2021 beim deutschen Label Glitterbeat erschienenes Debütalbum, und vollzog für ihr Publikum in acht Stücken die Genese dieser wundersamen Welt nach. Abenteuerlich, eigensinnig, unkonventionell, und unbedingt als Einladung zu verstehen: Kommt mit uns nach Kuurandia!
Sa 12.11.2022
Auditorium, Weltwirtschaft
19h
Abendticket: 13€/10€
19h Film: I Snuck Off the Slave Ship (Auditorium)
20h Lonnie Holley (Auditorium)
21.30h Space Afrika (Weltwirtschaft)
22.30h Nídia (Weltwirtschaft)
I Snuck Off the Slave Ship ein monumentales Stück Musik zu nennen, ist angesichts seiner Länge von fast 18 Minuten sicherlich korrekt. Monolithisch war das Tongedicht im Zentrum von Lonnie Holleys gefeiertem Album Mith aber keineswegs. Den strömenden Charakter der Musik unterstreicht der gleichnamige Kurzfilm umso mehr. In seinem Regiedebüt fließen viele von Holleys künstlerischen Aktivitäten der vergangenen Jahrzehnte ineinander. Der erstmals im Jahr 2019 auf dem Sundance Film Festival vorgestellte, in Zusammenarbeit mit Cyrus Moussavi gedrehte Kurzfilm kombiniert die skulpturalen Arbeiten des Autodidakten mit Bild, Ton und Text gleichermaßen eindringlich wie impressionistisch. Geschichte und Gegenwart der USA werden verdichtet, das Persönliche politisch aufgeladen.
Seit über vier Jahrzehnten steht Lonnie Holleys künstlerische Praxis im Zeichen einer improvisatorischen Kreativität, die sein ganzes Leben erfüllt. Ob mit seinem Debütfilm I Snuck Off the Slave Ship, seinen Arbeiten in der bildenden und der Performance-Kunst sowie als Poet und Musiker, der afroamerikanische Traditionen von Blues bis Jazz bewahrt und doch ebenso wort- wie klanggewaltig neu denkt: Die Grenzen zwischen den Gattungen und sogar Werken werden beständig neu verschoben und bisweilen aufgelöst. Das gilt auch, wenn Holley ins Studio geht oder auf die Bühne tritt. Was auf seinen Solo-Alben wie Mith oder zuletzt National Freedom zu hören ist, stellt den vorläufigen Endpunkt eines Experiments dar – und zugleich den Ausgangspunkt von Performances, die immer wieder ins Unbekannte aufbrechen.
Space Afrika bringen die Farben der Nacht zum Klingen. Das Duo aus Manchester bewegt sich an den Schnittstellen von verknistertem Ambient, brüchigem Dub, sphärischen R’n’B- oder Rap-Einlagen, Versatzstücken klassischer Musik und Spiegelreflexen von Clubmusik. Daraus collagierte es zuletzt im Jahr 2021 auf dem Album Honest Labour dynamische Klangskulpturen, die ein mosaikartiges Bild urbaner Lebensräume zeichnen. Bei ihren audiovisuellen Live-Shows setzen Josh Reid und Joshua Inyang ebenso auf Verdichtung, verlassen jedoch den Boden der Tatsachen nie. Wie ihr während der weltweiten Black-Lives-Matter-Proteste veröffentlichtes Durchbruchs-Mixtape hybtwibt? und ihre audiovisuelle Kollaboration Untitled (To Describe You) mit Filmemacherin Tibyan Mahawah Sanoh verweisen sie mit den abstrakten Klängen auf konkrete Lebensrealitäten.
Nídia ist eine der führenden Produzent*innen aus dem Umfeld von Príncipe Discos. Das Lissabonner Label ist die zentrale Anlaufstelle der Batida-Szene der Stadt und somit eine Plattform für die Neuverhandlung afro-portugiesischer Tanzmusik im Club-Setting. Nídia hat mit Kelela, Fever Ray und Yaeji zusammengearbeitet und Lafawndahs Stück Tourist einen preisgekrönten Remix verpasst. Sie veröffentlicht regelmäßig neue Musik über ihre eigenen Kanäle und hat im Jahr 2020 neben den zwei EPs Badjuda Sukulbembe und S/T mit Não Fales Nela Que A Mentes über Príncipe Discos ein Album veröffentlicht, auf dem sie das Tempo aus ihrem Sound nahm, der von den Rhythmen von Kuduro und anderen Tanzstilen wie Tarraxo inspiriert ist. Nídias Musik bleibt unkategorisierbar. Ihr visionärer Charakter offenbart sich am unmittelbarsten auf dem Dancefloor.
So 13.11.2022
Auditorium, Weltwirtschaft
19h
Abendticket: 13€/10€
19h Kristen Gallerneaux (Weltwirtschaft)
20.30h Klein (Auditorium)
Kleins Ansatz als multidisziplinär zu bezeichnen, greift zu kurz. Er ist omnidisziplinär. Ob ihr Spielfilmdebüt Care, ihre bildende Kunst wie zuletzt eine Gruppenausstellung u. a. mit Arthur Jafa und Christelle Oyiri in der Gladstone Gallery, New York, ihre zahlreichen Webdesign-Projekte und nicht zuletzt ihr Schaffen im Bereich von Film und Sound– alles wird ständig miteinander verwoben und durchwirkt sich gegenseitig. Auch als Komponistin bringt Klein mit radikaler Konsequenz Elemente aus klassischer Musik, Drone, Noise, Rap, avantgardistischen Methoden und Formen zusammen, die von ihrer eigenen Sicht auf Popkultur und HipHop geprägt sind. Für ihr Album Harmattan (2021) wurde sie zum Einpersonenorchester, spielte vom Klavier bis hin zu Streichinstrumenten und Saxofon alles auf eigene Faust ein. Und live? Kann dementsprechend alles passieren. Für ihre Live-Performance im HKW nutzt sie u. a. Zweikanal-Videos mit dem Titel people’s champ mit Zeichnungen, einem Essay, einer Reihe nicht-fiktionaler Werbefilme und einer Intervention des Künstlers La Timpa.
Als Filmemacherin, Kuratorin und Klangforscherin sowie nicht zuletzt als Musikerin betreibt Kristen Gallerneaux eine Art produktiver Spektralanalyse: Sie erkundet die gespenstischen Spuren, die Medien eingeschrieben sind. Ihr Debütalbum Strung Figures befasst sich reflektiert mit den Fadenspielen, die von Indigenen Völkern Nordamerikas zu narrativen Zwecken und Wissenstransfers verwendet wurden. Rhythmisch bewegt es sich zwischen elektronischem Pop und Clubmusik, konterkariert dies aber mit manipulierten Field Recordings und Samples, synthetischen Sounds und verrauschten Klangtexturen, die der Musik einen unheimlichen Charakter verleihen. Das Album steht damit in der Tradition ihrer vorigen musikalischen Arbeiten für Film und Radio, knüpft aber auch an ihre Monografie High Static, Dead Lines: Sonic Spectres & the Object Hereafter an.
